¿Cuál es la noticia? 31 Enero 2009
Posted by th23 in El comentario de Theniger.2 comments
El Gobierno islandés será el primero dirigido por una persona abiertamente homosexual
Johanna Sigurdardottir se hará cargo del gobierno tras la dimisión de Geir Haarde
Confieso que tenía pensado hablar de otra cosa esta semana pero al ver la noticia en la prensa lo asocié inmediatamente con lo que hoy en nuestro país vuelve a ser tema de discusión ( Educación para la ciudadanía ) a raíz de la sentencia del Supremo.
Los que vivimos en países desarrollados nos jactamos habitualmente de nuestro “open mind”, pero al ver un titular como este me sale un “estamos todavía en tiempos de la inquisición”. Lo llamativo es que recorriendo la prensa internacional los titulares de la noticia no difieren en nada y todos sin excepción hacen hincapié en su condición sexual
Sigurdardottir, de 66 años, es conocida en su país por ser una apasionada defensora de los derechos de los homosexuales y por haber estado al mando en los últimos diez años del Ministerio de Asuntos Sociales. Está casada desde hace casi siete con Jonina Leosdottir y es madre de 2 hijos de un anterior matrimonio, teniendo el mayor índice de popularidad de Islandia para un político (73%).
Cuando lo lógico es cuestionarse la probidad, capacidad y honestidad de un funcionario hablamos de su sexualidad. No me extraña entonces la polémica instalada en nuestra sociedad sobre qué entendemos por familia, aborto, maltrato y muchos etcéteras .
Circulan desde hace tiempo los cotilleos sobre la orientación sexual de algunos políticos o funcionarios en nuestro país, pero nadie cuestiona si está capacitado para el cargo que desempeña. No estoy diciendo que su vida privada sea privada pues no creo en el falso desdoblamiento entre lo público y lo privado y consecuentemente el individuo es uno sólo y las conductas en un sentido se manifiestan en todos los órdenes. Distinto sería tener una visión ambivalente sobre las cosas: Me declaro religioso practicante y no cumplo los mandamientos ( No robarás, calumniaras, envidiaras, etc) pero eso sí, salgo en la foto con mi familia ¨normal¨
Quizás si Islandia no hubiera estado en los titulares en los últimos meses por su crisis económica-financiera la noticia no hubiera trascendido el ámbito local. La UE está pensando su posible incorporación en 2011 junto a Croacia, ¿Cuando llegue ese momento nos cuestionaremos su inclusión por temas de sexo?
Para terminar me pregunto si esta situación se diera en nuestro país ¿Cuál sería la reacción de la sociedad?
Chapó ISLANDIA
Un abrazo a todos
THENIGER
La Consagración de la Primavera – Igor Stravinski 30 Enero 2009
Posted by leiter in Análisis musical.6 comments
* Escrita durante el invierno de 1912-1913
* Estrenada en París el 29 de mayo de 1913 bajo la dirección de Pierre Monteux
* EFECTIVOS ORQUESTALES: 4 flautas, flauta piccolo, 4 óboes, corno inglés, 3 clarinetes, clarinete piccolo, clarinete bajo, 4 fagots, contrafagot, 8 trompas, 5 trompetas, 3 trombones, 2 tubas, timbales grandes, timbales pequeños, triángulo, pandereta, guiro, címbalos antiguos, címbalos convencionales, bombo, tam-tam y quinteto de cuerdas.
* Duración aproximada de la ejecución: Entre 35 y 38 minutos
Fue en el terreno del ballet donde tal vez Stravinski escribiera las obras más representativas de su genio artístico y posiblemente las más logradas. Las catorce partituras que dedicó Stravinski a la escena pertenecen a un género bien determinado, el gran ballet sinfónico. Sin embargo, existe una gran diferencia con respecto a sus predecesoras y es que la música no está al servicio del coreógrafo sino que se impone a este con pleno derecho. La Consagración de la Primavera es la gran e inmortal obra maestra de Igor Stravinski y, posiblemente, la mejor partitura orquestal de todo el siglo XX. Pese a las influencias que pueden advertirse de otros compositores (Rimski-Korsakof, Debussy o Scriabin) supone una ruptura total con la música descriptiva de los músicos impresionistas. La música ya no evoca o describe los sentimientos o escenarios sino que figura, transponiendo al mero plano sonoro, un acto hecho música. Con La Consagración de la Primavera, el primitivismo y la barbarie irrumpieron en la música pero organizados de un modo auténticamente supremo. Es también un grito de liberación en lo más íntimo, secreto y fundamental del corazón de las personas.
El impacto producido por La Consagración de la Primavera se debe a la novedosa condensación de todos los elementos de la escritura musical: Los recursos armónicos (Ásperos acordes superpuestos y en distintas tonalidades), los ensamblajes tímbricos (Crudos efectos acústicos con poderosas pulsaciones), la riqueza temática (Temas populares rusos en compases irregulares de cinco, siete e incluso once tiempos) y la fuerza del ritmo (Continuos cambios y saltos rítmicos, una orgía desenfrenada sobre todo al final de la obra) no tienen parangón con la música que se había compuesto anteriormente, abriendo el oído al universo sonoro del futuro. Por ello, La Consagración de la Primavera es una de las obras capitales dentro de la historiografía de la música y su influencia, pese a no haber suscitado una corriente de imitaciones, es fundamental para el posterior desarrollo de las vanguardias musicales del siglo XX.
En 1911, tras el estreno de Petrushka — Otra de las inolvidables obras maestras del autor — Stravinski emprende la pagana aventura de componer La Consagración de la Primavera, una partitura que se vio constantemente interrumpida por diversos viajes, entre ellos uno a Bayreuth con resultados más que decepcionantes. Para la temporada de 1913, Sergei Diaghilev, el director de la compañía de los Ballets Rusos, tenía previsto representar Kovanchina, de Mussorgsky, los Jeux de Debussy, La Tragedia de Salomé de Floren Schmitt y el estreno de La Consagración de la Primavera, una fábula sobre el pagano rito del sacrificio a la diosa Primavera. El estreno de la obra, en el teatro de los Campos Elíseos de París, desencadenó el mayor escándalo que se haya visto nunca en un escenario. Ya durante los ensayos se manifestaron violentas tensiones entre Stravinski y Nijinski (El coreógrafo), así como con los músicos de la orquesta. Al levantarse el telón, los ánimos estaban más que encendidos y el público reaccionó violentamente ante una música tan “agresiva”. Stravinski se retiró entre bastidores ante el cariz que estaban tomando los acontecimientos mientras que Nijinski, encaramado sobre una caja, gritaba en ruso a sus bailarines los números de la coreografía. A todo esto, un genial Pierre Monteux continuaba impertérrito dirigiendo a la orquesta, como si la cosa no fuese con él, al tiempo que Diaghilev hacía encender y apagar las luces de la sala en un desesperado intento de apaciguar el tumulto allí organizado. De los gritos, silbidos e insultos se pasó a los puñetazos, bofetadas, bastonazos y peleas cuerpo a cuerpo entre los partidarios y detractores del músico. La condesa de Pourtales, presa de un soponcio, rompió su abanico de la rabia y comenzó a gritar roja de cólera: –”¡Es la primera vez que se burlan de mí!” –. Mientras, Ravel respondía alegando que era una obra genial y Blanche, literalmente, mandaba “a freír espárragos a toda esa panda de ignorantes“. Tal tremebundo e histórico escándalo no impidió que Stravinski impusiera, tras El Pájaro de Fuego y Petrushka, su tercera y definitiva obra maestra.
Como enlace para seguir la audición os pongo un vídeo, dividido en cuatro partes, con la objetiva y matemática versión de un genial Pierre Boulez al frente de la Orquesta Sinfónica de Londres. Existen, en el conocido portal de vídeos YOUTUBE, otras versiones completas de la obra. Recomiendo también, para quién desee profundizar, la dinámica y vigorosa versión de Esa-Pekka Salonen al frente de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles, sin duda, una también magnífica lectura.
DESARROLLO DE LA OBRA
La Consagración de la Primavera se subdivide en dos partes — El vídeo del enlace se subdivide a su vez en dos cortes para cada parte — que son, El Beso de la Tierra y El Gran Sacrificio. Cada una de estas partes está constituida por una serie de juegos rituales y encantamientos que han de desembocar respectivamente en La Danza de la Tierra y en La Danza Sagrada
La introducción, muy extensa, está confiada mayoritariamente a los instrumentos de viento, comenzando por un tema en el registro agudo del fagot al que le sigue una progresiva entrada de la paleta orquestal que desemboca en una serie de lazos cerrados. Después de la reexposición del tema surge la Danza de los Adolescentes, con pesados y repetitivos acordes en la cuerda y acentos sincopados. La melodía de la trompa, simple, va pasando a los demás atriles. Seguidamente, viene el Juego del Rapto, alegre y vital, en tono mayor, y cuya principal línea argumental está constituida por enérgicas señales de llamada. Llega entonces el momento de las Rondas Primaverales, lentas y misteriosas, que paulatinamente alcanzarán una gran densidad orquestal y armónica, con un punto final de alegre animación. Es el turno, a continuación, de la gran escena del Juego de las Ciudades Rivales con dos temas opuestos: Uno en línea quebrada de trompas desde los primeros compases y otro en oboes y clarinetes, sobre cuatro notas conjuntas que confieren una mágica atmósfera. La primera parte del ballet concluye con dos breves pero intensas escenas: El Cortejo del Sabio, solemne, con insistentes repeticiones en los metales, y la Danza de la Tierra, donde luego de una fanfarria surge un motivo enterrado en cuerdas y trompas que se va propagando a toda la orquesta y termina abruptamente.
La segunda parte comienza con una hechizada introducción de cuerdas divididas y un violín solo en su registro agudo. Ese mismo grado de misterio se prolongará en la escena de los Círculos Misteriosos de los Adolescentes, con una ampliación de los distintos temas rituales. De pronto, un repentino crescendo y acelerando hacen estallar el motivo de la Glorificación de la Elegida que da paso, con gran austeridad en su coral de metales, a la Escena de los Antepasados. Se producen unos inquietos arabescos y glissandi en flauta y corno inglés que reaparecerán al medio y al final. La trompeta, con un tema estridente y obsesivo, prepara la entrada de la Danza Sagrada. Es uno de los mejores y más conseguidos párrafos de la partitura, con unos trombones que envían señales en grados cromáticos descendentes. A ello se le suma un motivo popular y ritual hasta alcanzar el más alto grado de tensión en esta Danza de la Muerte. Un silbido ascendente de las flautas y un último choque sellan el sacrificio final.
VERSIONES RECOMENDADAS
- Pierre Monteux con la Sinfónica de Boston. RCA. Visceral, fiel, precisa, de referencia absoluta.
- Igor Markevich con la Orquesta Philharmonia. (Dos distintas versiones). TESTAMENT. Electrizante, creada plano a plano.
- Yoel Levi con la Sinfónica de Atlanta. TELARC. Emocionante y con una toma de sonido excelente.
- Pierre Boulez con la Orquesta de Cleveland. SONY. Meticulosa, objetiva, analítica y científica.
- Leonard Bernstein con la Filarmónica de Nueva York. SONY. Vivaz y explosiva, la alternativa a Boulez.
- Esa-Pekka Salonen con la Orquesta Philharmonia. SONY. Dinámica, con un imponente sonido.
- Claudio Abbado con la Sinfónica de Londres. DG. Versión firme muy bien cimentada. Por momentos, estupenda.
Por contra, no acaban de convencerme del todo las versiones de Antal Dorati con la Sinfónica de Detroit. DECCA. (Muy plana, aunque aceptablemente construida) y de Simon Rattle con la Orquesta City of Birmingham. EMI. (Poderosa, pero dinámicamente desafortunada). Sobre la versión de Herbert von Karajan con la Filarmónica de Berlín. DG, tengo mis reservas. Por supuesto, esto no es sino una valoración subjetiva sin ninguna pretensión vinculante al respecto.
¡Se sienten, coño! 29 Enero 2009
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FRASES PARA LA HISTORIA
- Alea jacta est (Julio Cesar)
- El que todo lo juzga fácil encontrará la vida difícil (Lao Tse)
- Amaos los unos a los otros como yo os he amado (Jesús de Nazaret)
- No mandé mi flota a luchar contra los elementos (Felipe II)
- Detrás de estas pirámides veinte siglos os contemplan (Napoleón Bonaparte)
- Cogito ergo sum (René Descartes)
- Todas las verdades que se silencian terminan volviéndose venenosas (Friedrich Nietzsche)
- Estos son mis principios; si no les gustan tengo otros (Groucho Marx)
- Sólo sé que no sé nada (Sócrates)
- ¡Se sienten, coño! (Teniente coronel Tejero)
… Y que conste, don Antonio, que he decidido incluirle en esta sección atendiendo al carácter político de su personalidad cuando en 1982 tuvo el honor de encabezar la lista por Madrid al Congreso de los Diputados bajo la formación política de Solidaridad Española, extraño partido cuyo lema, muy ingenioso por cierto, era el de “Entra con Tejero en el Parlamento” y que obtuvo algo así como 28.451votos, para disgusto del bueno de don Blas que perdió el único escaño que atesoraba en una formación política de similar ideario. Han pasado ya muchos años, don Antonio, pero no se olvida aquel triste episodio de entrar como Pavía en el Congreso y ponerse a dar tiros como un loco. Hombre, que eso no estuvo bien y además fuimos el hazmerreír de todo el mundo. Y no digamos cuando intentó derribar (Sin éxito) a un anciano indefenso. Eso, don Antonio, está más feo que pegar a un padre y es un acto difícilmente perdonable, por el amor de Dios. Y, total, para que muchos de los números a su mando se pusieran morados de cubatas en la cafetería del Congreso, que lo sé de buena tinta. No, hombre, no; así no se defienden las ideas por mucha razón que uno crea tener. Pero hay algo de todo aquello que sí le quiero agradecer: Creo, en mi humilde opinión, que desde aquel día España tuvo por fin auténtica conciencia democrática. Por lo menos, don Antonio, de algo sirvió su mascarada. Desde la discrepancia, que Dios le guarde a usted por muchos años. Un día malo lo tiene cualquiera.
Cómplices – Es por ti 28 Enero 2009
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Si ya en su etapa de GOLPES BAJOS demostró Teo Cardalda sus cualidades como teclista, en CÓMPLICES, grupo de Pop-Rock creado por él mismo y su pareja, María Monsonis, y que inicialmente contó con la presencia también de Di Geraldo y Villegas, no hizo sino confirmar esa magnífica virtud añadiendo, si cabe, su faceta de extraordinario y talentoso compositor. En 1990, luego de abandonar Di Geraldo y Villegas la banda, el dúo edita LA DANZA DE LA CIUDAD, un trabajo caracterizado por sus cuidadosos arreglos y donde pronto se destaca una canción emblemática, ES POR TI. Con este trabajo el grupo consigue un enorme éxito no sólo en España sino también en Latinoamérica, logrando alcanzar el primer puesto de ventas en las listas mexicanas.
ES POR TI es una exquisita canción que refleja las sensaciones que produce el amor hacia otra persona en forma de continuos símiles poéticamente tratados. Tal vez, como afirman algunos críticos, la balada contenga algunos elementos “demasiado comerciales” en detrimento de una línea compositiva que debiera ser algo más arriesgada, pero el resultado final no esconde que se trata de una magnífica canción extraordinariamente bien arreglada y mejor interpretada. Cardalda hace gala de un gran nivel compositivo con el empleo de eficaces armonías en los teclados y valientes desarrollos melódicos.
Lo primero que nos llama la atención al escuchar esta canción es la aparente variedad temática del conjunto aunque, si bien son tres las secuencias que conforman la estructura de la pieza, éstas no dejan de ser simples pero eficaces variaciones del tema principal que inicialmente expone el piano. De esta manera, el esquema es el siguiente: A-Introducción (Tema principal en el teclado repetido en dos series de cuatro compases cada una). B-Secuencia primera (Es por ti que…) en tono menor y estructurada de igual manera que la introducción. C-Segunda secuencia (Es por ti que soy un duende cómplice…) modulada a modo mayor brevemente para volver al menor y enlazar, tras un ligero rubato, con la introducción. En la segunda exposición, la segunda secuencia enlaza con una tercera (Tus labios son de fresa…) en un logrado salto de cuarta y volviendo de nuevo a la tonalidad mayor que no se abandona hasta que tres acordes progresivos del teclado nos devuelven al tema de la introducción, esta vez complementado por el coro de los dos solistas y bellamente armonizado por el sintetizador. Tras una repetición de todo el material temático la balada concluye con un acorde de tránsito que hace que la canción concluya en tono menor, con cierto aire de inquieta interrogación.
La estupenda concordancia rítmico-melódica de la canción consigue que ésta no se nos recargue en ningún momento y que parezca incluso más breve de lo que su duración indica. La claridad preside toda la interpretación y los arreglos son equilibrados y precisos. ES POR TI es una preciosa declaración de amor que nos sigue pareciendo fresca dieciocho años después de su composición. Con ella, Teo Cardalda se reivindica como un gran músico, amén de un elegante teclista.
Ahí os dejo la letra:
Es por ti que veo ríos
donde sólo hay asfalto.
Es por ti que hay océanos
donde sólo había charcos.
Es por ti que soy un duende
cómplice del viento
que se escapa de madrugada
para colarse por tu ventana.
Es por ti que no hay cadenas
si sigo el ritmo de tus caderas.
Es por ti que rozo la locura
cuando navego por tu cintura.
Es por ti que soy un duende
cómplice del viento
que se escapa de madrugada
para colarse por tu ventana.
… Y decirte:
Tus labios son de seda,
tus dientes del color de la luna llena,
tu risa la sangre que por mis venas,
tus besos la tinta de mis versos
que siempre te cuentan.
Es por ti que veo ríos
donde sólo hay asfalto.
Es por ti que hay océanos
donde sólo había charcos.
Es por ti que soy un duende
cómplice del viento
que se escapa de madrugada
para colarse por tu ventana.
Tus labios son de seda,
tus dientes del color de la luna llena,
tu risa la sangre que por mis venas,
tus besos la tinta de mis versos
que siempre te cuentan.
Oh, oh, oh…
Que siempre te cuentan.
El Juicio Final – Miguel Ángel 27 Enero 2009
Posted by leiter in Análisis pictórico.4 comments
* Fresco
* 13,70 x 12.20 metros
* Realizado entre 1537 y 1541
* Ubicado en la Capilla Sixtina, Palacios Vaticanos
Miguel Ángel surge en una época donde se vive una intensa crisis espiritual y una profunda transformación del equilibrio jerárquico de los valores. En su concepción de la práctica artística, Miguel Ángel, a diferencia de los pintores de la Escuela Veneciana, adopta el arte pictórico como un medio que mediante la experimentación de sus propios recursos puede reconvertirse o traducirse a otro sustrato plástico. Así, Miguel Ángel realizó, practicando con todas las especialidades, muchas de las obras más comprometidas de su tiempo, como el sepulcro de Julio II, las pinturas de la Capilla Sixtina o la remodelación de la plaza del Capitolio Romano. De esta manera, no podemos entender a Miguel Ángel como la suma de una serie de obras pictóricas, escultóricas o arquitectónicas sin más, sino como una unificadora articulación de un proceso elaborativo.
En el concepto creativo de Miguel Ángel existe una clara vinculación con el pensamiento neoplatónico. Para el artista, el material sobre el que se desarrolla la voluntad e idea puede alcanzar una forma u otra correspondiendo con el valor del elemento serial de la obra o de sus figurantes. Y el gran mérito de Miguel Ángel es que no se limita tan solo a un propósito sino que establece un intento de demostración de todas las posibles opciones y soluciones, y ello no deja de ser una respuesta a la crisis planteada en torno al sistema figurativo clásico y a su constante preocupación teoricista. La famosa terribilitá miguelangelesca no es sino la exaltación del elemento temperamental y físico de la figura y surge como base de la libertad expresiva del artista. Es por ello que Miguel Ángel no asume la proporción como un elemento eterno e inmutable y sus criticadas deformaciones — no ya sólo en el esquema sino también en la aplicación del color — responden al desarrollo de un elemento artístico que surge de una concepción interior y subjetiva del artista.
En 1534, Miguel Ángel abandona definitivamente Florencia y se afinca en Roma, donde al año siguiente es nombrado “Pintor, escultor y arquitecto de los Palacios Vaticanos” por el Papa Pablo III. Es en 1537 cuando se le encarga culminar el trabajo que había realizado años atrás en las bóvedas de la Capilla Sixtina y, para ello, ejecuta en el testero de la misma el tema del Juicio Final. Parece obvio que el programa diseñado para la Sixtina por Julio II era el de asimilar la cultura pagana con la cristiana (Recordemos los temas elegidos por Rafael para decorar las Estancias) y poner de manifiesto la idea de que no existía contradicción entre ambas. Pero, paradójicamente, este paganismo en relación con la pintura del Juicio Final será durísimamente cuestionado con posterioridad. La composición, grandiosa en sus dimensiones, parece un canto al movimiento y actitudes de las figuras humanas, sumidas en una especie de tumultuoso torbellino en torno a la figura de Cristo, un magistral ejemplo de la referida terribilitá miguelangelesca.
En el Juicio Final la tensión se consigue mediante la propia composición de las figuras, liberadas de cualquier enmarcamiento arquitectónico — a diferencia de lo que ocurre con la bóveda de la misma Capilla Sixtina — y elaborando una recreación rítmica en torno a la atlética figura de Cristo, a semejanza de un sistema cosmogónico. De esta manera, Cristo aparece como centro y orden del universo según un esquema compositivo que Miguel Ángel aplicará también en otras obras de arquitectura, como con la estatua de Marco Aurelio en la remodelación de la Plaza del Capitolio, situada en el centro y desarrollando simbólicamente el concepto de eje nuclear del mundo. En este fresco, Miguel Ángel dispone la figuración en diversos planos, sin sometimiento a la perspectiva “oficial”, y para ello se sirve de módulos decrecientes para los personajes, de arriba a abajo, para alterar el carácter estático de los grupos y exaltar cada actitud de movimiento. No es, como a simple vista pudiera parecer, una mera corrección del efecto de fuga. A todo ello contribuye, además, el agrupamiento de figuras en zonas de comunicación entre sí dentro de un ritmo general que afecta a todo el conjunto.
En cuanto al desarrollo temático, podemos apreciar una visión personalísima de Miguel Ángel en la historia que aquí se representa. Los modelos clásicos dejan de ser un objeto al que imitar para convertirse ahora en el instrumento de comprobación de su propio concepto plástico. Miguel Ángel, como anteriormente decíamos, lleva hasta las últimas consecuencias la integración del paganismo en el tema religioso, desnudando sin rubor todas las figuras del conjunto (Posteriormente, un pintor conocido como “Braghettone” se encargaría de cubrir las pudendas partes mediante la colocación de “paños de pureza”, dando paso a uno de los más lamentables y bochornosos episodios de la Historia del Arte). Podemos también apreciar el recuerdo, desde el punto de vista iconográfico, a Dante, autor por quién Miguel Ángel sentía verdadera devoción. Ello le lleva a adoptar diseños próximos al arte de la Antigüedad Clásica, como es en el caso del Cristo, muy influenciada su pose por las clásicas representaciones de Zeus y Febo.
En cuanto al colorido, que la presumible y a menudo criticada escasa variedad cromática se ve ponderada por un abrumador dominio del dibujo, imprescindible para trabajar el fresco, que dota a las figuras de un sorprendente carácter volumétrico y permite delatar, con la exaltación de los desnudos, el talante escultor del artista. Es preciso entender que, a diferencia de la Escuela Veneciana de pintura (Tiziano) el color es para Miguel Ángel un elemento autónomo que rompe los esquemas de armonía cromática del clasicismo. La utilización de verdes, rosas, azules y amarillos alteran la función clásica del color y, en relación a ello, la luz sirve para valorar la materialidad escultórica de las figuras, dotando a las mismas de una determinante inestabilidad.
En suma, el Juicio Final de Miguel Ángel es una obra cuya contemplación altera el ánimo de los más descreídos y supone, además, el ideal pictórico del artista florentino, siempre en relación con otros vehículos plásticos de expresión.
Robert Schumann: De la obsesión a la locura 26 Enero 2009
Posted by leiter in Galería de músicos.2 comments
* Nacido el 8 de junio de 1810 en Zwickau, Sajonia
* Fallecido el 29 de julio de 1856 en Endenich, cerca de Bonn
Hijo de un librero, pronto recibe sus primeras lecciones musicales a cargo del organista de su pueblo y a los nueve años, tras asistir a un recital de un virtuoso del piano, da claros síntomas de apasionarse por la música. De todas formas, el acceso a la extensa colección de libros que atesoraba su padre le convierte en un elegante escritor, muy por encima de sus iniciales y buenas disposiciones para la música. A los dieciséis años sufrió la tragedia del suicidio de su hermana Emilie y, sobre todo, de la repentina muerte de su padre, quién a la postre se había convertido también en su mejor consejero y amigo. A consecuencia de ello, Robert se vuelve un tanto introvertido, se enamora de un par de jóvenes adolescentes y se convierte en un ser mucho más romántico de lo que estaba de moda en aquellos tiempos, sobre todo cuando tiene la oportunidad de escuchar por primera vez algunos Lieder de Schubert.
Con dieciocho años acude a Leipzig y se matricula en la Facultad de Derecho al tiempo que frecuenta los ambientes literarios y musicales. Su futuro profesional parece decantarse definitivamente por el mundo de las leyes y así acude a Heidelberg a perfeccionar estudios jurídicos. Pero resulta que allí conoce a un profesor de la universidad que estaba chiflado por la música y al que le daba por celebrar numerosas veladas musicales en su casa en las que Robert tocaba el piano. Fue en esa misma época cuando viajó a Italia, aunque vino un tanto escéptico con todo lo relacionado con el bel canto, no así en lo referido a la admiración que le provocaron ciertas divas de la ópera. En Frankfurt asiste a un concierto del diabólico Paganini y es precisamente ahí cuando toma su firme decisión de convertirse exclusivamente en músico. Así, en 1830 compone sus primeras obras y se pone bajo las órdenes de Friedrich Wieck, el más reputado profesor de piano de Leipzig, quién somete al joven Schumann a una disciplina del todo espartana. Sus progresos fueron notables — se empapó de El Clave Bien Temperado de Bach — y se perfilaba como un futuro brillante concertista de piano. Pero entonces, al muy bruto, no se le ocurrió otra cosa que la de utilizar un extraño artilugio con el que pretendía adquirir una mayor independencia en los dedos a la hora de digitar el teclado. Desgraciadamente, lo único que consiguió fue una fatal e irreversible parálisis en uno de sus dedos, con lo que se esfumó su carrera de concertista, aunque la música, gracias a aquel episodio, ganó a un gran compositor.
En 1833 recibe otro tremendo golpe emocional, la muerte de otro de sus hermanos y también la de su cuñada Rosalie, mujer de quién estaba platónicamente enamorado y de cuya relación adquirió el compositor un formidable conocimiento del mundo íntimo femenino, cualidad que plasmaría posteriormente en muchas de sus obras. Fue entonces cuando a Schumann le sobrevinieron algunas depresivas obsesiones que derivarían más tarde en los accesos de locura que habría de padecer durante los últimos años de su existencia. Algo recuperado, al año siguiente funda la Neue Zeitschrift für Musik, una revista musical que tuvo una enorme importancia y en donde Schumann se desdoblaba bajo dos pseudónimos (Eusebio y Florestán) que se correspondían exactamente con los dos polos contrapuestos de la excéntrica personalidad bipolar schumaniana (Meditativa y serena, por un lado; vehemente y apasionada, por el otro) y que también se vieron reflejados en su música. En 1834 compone sus Estudios Sinfónicos y al año siguiente la Sonata Nº1 y el Carnaval, en una etapa donde su madurez creativa es del todo completa. En ese mismo año de 1835 empieza a aflorar el apasionado amor entre Schumann y Clara Wieck, la virtuosa pianista y ejemplar hija del profesor Friedrich Wieck, una historia romántica como pocas y con los ingredientes propios del mejor culebrón imaginable. Cuando el papá se enteró de los propósitos de Schumann envió a su hija a Dresde y le prohibió terminantemente cualquier comunicación con el joven compositor. Por si no fuera poco, en 1836 fallece la madre de Schumann y este recae en un nuevo estado de depresión del que sólo la música consigue liberarle, y así, por ejemplo, compone la estupenda y apasionada Fantasía en do menor. En medio de aquella imposible relación, con numerosas cartas clandestinamente cruzadas entre los dos enamorados, Schumann viaja a Viena con determinados proyectos que no acaban de cuajar aunque lo más importante es que conoció a un Liszt entusiasmado con su Carnaval. También visitó a uno de los hijos de Mozart y al hermano de Schubert, quién le enseñó el inédito manuscrito de la grandiosa Sinfonía en Do mayor de la que luego Schumann tramitaría su publicación. Sin embargo, tuvo que regresar a Leipzig como consecuencia del fallecimiento de otro hermano y fue entonces cuando se desató una verdadera batalla legal entre Schumann y el padre de Clara por la cuestión del consentimiento matrimonial. El asunto derivó en una disparatada tragicomedia, con veladas acusaciones de borracho al compositor, entre otras lindezas, y con la intermediación a su favor de su entrañable amigo y colega Mendelssohn. Lo mejor de todo aquel patético y prolongado episodio fue que Schumann no paró de componer páginas de música que posteriormente se revelaron como una de las mejores colecciones de Lieder de todos los tiempos y que suponen lo más profundo e inspirado de toda la obra del compositor sajón. Finalmente, en 1840 el jurado falló favorablemente a la pareja y por fin pudieron casarse el 12 de septiembre en una iglesia cercana a Leipzig.
A partir de esta fecha Schumann abordó el género sinfónico merced al sosiego de su consumado amor por Clara, el cual dio paso a un ensanchamiento expresivo más amplio que el del piano y la voz. Clara le diseñó un acertado programa compositivo y de esta forma, en 1841, surgen la Sinfonía nº1 (Que finalmente se convertiría en la nº4), la Sinfonía en re menor y también los primeros esbozos del Concierto para piano. Para culminar toda esa alegría, a finales de año nace su hija Marie, quién fue apadrinada por Mendelssohn. En 1842, y siguiendo con el programa establecido por Clara, abordó la música de cámara (Cuartetos Op. 41 y Quinteto para piano). Al año siguiente, toca el oratorio y estrena El Paraíso y la Peri. Curiosamente, en estas mismas fechas, el padre de Clara manifiesta su voluntad de reconciliación.
En 1844 el matrimonio viaja a Rusia (Es preciso señalar que en aquellos tiempos Schumann era “el esposo” de la famosa Clara Wieck) y a la vuelta se enfrasca en la composición de Fausto, una obra que acabó por agotar y desequilibrar mentalmente al compositor, quién desde entonces empezó a sufrir con preocupante regularidad fiebres, pesadillas e incluso alucinaciones. Por tal motivo, la pareja se traslada a Dresde, donde el músico termina el Concierto para piano y esboza su Sinfonía en Do mayor (La catalogada finalmente como nº2). Tras unos fugaces viajes a Viena y Berlín, con unos resultados artísticos no del todo satisfactorios, regresan a Dresde donde en 1847 compone los Trios Op.63 y 80 y también se lleva el terrible disgusto provocado por la noticia de la muerte de su íntimo amigo Mendelssohn, circunstancia que le produce un desánimo ya casi irreversible. Retoma, a duras penas, el Fausto y comienza su ópera Genoveva. En 1848 se produjo un lamentable y muy comentado suceso: Schumann, cuyo estado de nervios y de depresión le había convertido en ser muy irascible (Algunos biógrafos añaden que la botella tuvo mucho que ver con esto) agredió a Liszt ante un comentario negativo de éste sobre el difunto Mendelssohn. Aunque posteriormente el maestro húngaro perdonó la afrenta, la distancia entre ambos fue ya del todo insuperable. En ese mismo año logra concluir Genoveva y aborda las Escenas del bosque y el Álbum para la Juventud. Entre 1849 y 1850 escribe muchas de sus mejores composiciones, como la Sinfonía Renana y el Concierto para Violoncelo, además de lograr un gran éxito con el estreno en Leipzig de Genoveva.
Sus crisis nerviosas se repiten ahora con reiterada frecuencia y así, durante una gira por los Países Bajos, ha de ser ingresado en una clínica de Holanda. Tras su fracaso como director de la Sociedad Coral de Düsserldorf — debido a su inestable carácter, no a su impecable criterio musical — tiene el consuelo al conocer a quién iba a llegar a ser su último gran amigo, Johannes Brahms (Quién, por otra parte, ya no le quitó tampoco el ojo a Clara, el muy vivo). En 1854, aparentemente mejorado de sus achaques, recibe un caluroso homenaje del propio Brahms y de un común amigo, el violinista Joachim, en Hannover. Mas ello supone el principio del fin: Schumann, totalmente enloquecido, dice recibir mensajes de los difuntos Mendelssohn, Beethoven e incluso Mozart. En muchas ocasiones estallaba en horribles gritos imaginando ver a diablos, hienas y tigres interpretando una música insufrible… En uno de estos delirios se acabó arrojando al Rin, aunque por fortuna fue rescatado a tiempo por unos pescadores. Fue ingresado en una clínica de Endenich y, pese a ciertos momentos de fugaz lucidez y a las constantes visitas de su amigo Brahms – a Clara se le prohibió ir a verle por prescripción médica — ya no logró recuperarse. Finalmente, tras dos años en los que su estado llegó a ser del todo deplorable, falleció el 29 de julio de 1856, siendo enterrado dos días más tarde en el cementerio de Bonn.
Schumann fue el más profundo e íntimo de los compositores románticos. Su obra es tan serena y organizada como la de Mendelssohn y tan melodiosa como la de Schubert, lo que equivale a decir que bebe de magníficas fuentes de inspiración. Le costó concentrarse en las formas de gran tamaño y así, en determinadas ocasiones, sus sinfonías han sido criticadas por resultar demasiado académicas y consecuentemente frías. Lejos de esta injusta aseveración, algunos fragmentos de su obra sinfónica, como el Adagio de la Sinfonía nº2 o el Maestoso de la Renana, son auténticas cimas compositivas de trascendental belleza (Se escuchan ecos de un futuro Mahler, en el primer caso, y de Bruckner en el segundo). Pero lo mejor de su legado se encuentra en sus obras para piano y en sus Lieder, posiblemente de los más originales y poéticos de su época.
OBRAS
- 3 Sonatas para piano
- 25 suites y otras colecciones, destacando Carnaval, Estudios Sinfónicos y Escenas de Niños.
- 4 Sinfonías, destacando la nº2 y la nº3. Aparte, una quinta inacabada y publicada como Obertura, Scherzo y Finale
- 2 Oberturas
- Concierto para piano
- Concierto para violoncelo
- Concierto para violín
- Distintas obras para piano y orquesta, destacando la Introducción y Allegro de concierto
- Una ópera, Genoveva
- Una serie de obras corales, destacando las Escenas de Fausto
- Réquiem
- Diversa música de cámara, destacando el Quinteto para piano
- 60 Canciones a varias voces
- Unos 250 Lieder
- 2 grupos llamados “Ciclos de Canciones” (Liederkreis)
Gregorio Allegri: Miserere Mei Deus 25 Enero 2009
Posted by leiter in Guiños musicales.3 comments
Relajaos y escuchad con atención esta breve pieza. Es un fragmento del conocido Miserere Mei Deus del compositor italiano Gregorio Allegri, uno de los músicos pioneros del barroco italiano. A pesar de que Allegri (1582-1652) compuso una gran cantidad de obras sacras en vida, se le recuerda principalmente por su Miserere, un motete que fue cantado por el coro papal hasta 1870 para celebrar la Semana Santa. Los detalles de esta obra fueron un secreto guardado celosamente…
Allegri empezó como corista a los nueve años y continuó sus estudios de composición bajo la tutela de Nanino, maestro de capilla en San Luigi dei Francesci, en Roma. Tras finalizar su aprendizaje, Allegri es contratado como cantante y compositor en las iglesias de Fermo y Tívoli. Entre 1618 y 1619 publica sus dos libros de Concertini, de los cuales sólo nos ha llegado el segundo de ellos. Su buen hacer le permite que sea nombrado, en 1628, maestro de capilla en San Spirito in Sassia, Roma, uniéndose al prestigioso coro papal al año siguiente. Diez años más tarde, en 1638, compone su obra más famosa, el Miserere Mei Deus. Falleció en 1652, tras publicar el año anterior su segundo libro de las Lamentaciones del profeta Jeremías. La música que escribió para la Capilla Sixtina era decididamente anticuada y seguía claramente el estilo de Palestrina, aunque con una gran finura y claridad de estilo.
Este famoso Miserere y el secretismo que lo envuelve esconde una gran historia: El Vaticano nunca quiso que fuesen copiados los embellecimientos por encima de los acordes básicos por lo que los cantantes se veían obligados a memorizar tales adornos. A diferencia de otras obras similares, donde los solistas improvisaban los referidos embellecimientos, en esta se encontraban escritos pero la oscuridad de la iglesia, unido a la necesidad de salvaguardar su pública difusión, impedía cualquier lectura directa de la protegida partitura. La composición era considerada una joya exclusiva de la Capilla Sixtina hasta el punto de que estaba prohibido, con pena de excomunión, copiarla. El salmo se cantaba como parte de los oficios de Semana Santa, precediendo a la Pascua como canción de penitencia.
11 de abril de 1770: Leopold Mozart y su hijo Wolfgang, tras un periplo italiano que les condujo a través de Florencia, Siena, Orvieto y Viterbo, llegan por fin a Roma. Mozart contaba por entonces con 14 años y había dejado, un mes antes en Bolonia, completamente alucinado a la mayor autoridad italiana de teoría musical del momento, el padre Martini, quién no dio crédito a una improvisada fuga interpretada por el inmortal y entonces adolescente genio salzburgués. Ya en Roma, los Mozart asisten a los oficios de Semana Santa en la Capilla Sixtina del Vaticano donde escuchan el Miserere de Gregorio Allegri. Después de una primera audición de la obra durante el día de Tinieblas, al joven Mozart no se le ocurre otra cosa que escribir ¡DE MEMORIA! la partitura en la posada donde se alojaban. Al volver a escucharla al día siguiente, Mozart corrige los pocos errores que había cometido… Enterado el padre, escribe una carta dirigida a la madre y hermana de Mozart informándoles de tal increíble proeza. Éstas, asustadas, contestan a vuelta de correo acerca del presumible sacrilegio en que han incurrido y les advierten de la pena de excomunión que podría recaer sobre ellos si las autoridades eclesiásticas se enterasen de tal ¿despropósito?… El padre de Mozart, en una siguiente misiva, logró calmar los escrúpulos de su esposa e hija…
Si Mozart no ha sido el más grandioso artista de la historia de la música que venga Dios y lo vea. En el instante de redactar estas líneas, Dios no se me ha pronunciado todavía al respecto. ¡Lógico!
Y llegó Barack Hussein Obama 24 Enero 2009
Posted by th23 in El comentario de Theniger.3 comments
Sin lugar a dudas podemos decir que habrá un antes y un después del 20 de enero. Me apresuro a explicar que no soy un “Obamista”a ultranza, simplemente que es tanta la carga de expectativa que se había creado con la asunción de Barack Obama (o el fin de la era Bush) que cualquiera que sea el resultado de su gestión nada será como antes.
He leído su discurso de investidura con detenimiento y repetidas veces, amén de los distintos análisis de la prensa internacional, española y por supuesto estadounidense. La primera reflexión es que nunca mejor que ahora se cumple aquello de “todo depende del cristal con que se mire” o en lenguaje mas llano “que tanto dijo lo que yo esperaba/deseaba”.
No es crítica sino un simple análisis de nuestra condición humana.
La única realidad a día de hoy es que el tiempo de la retórica se acabó y es hora de mostrar en el campo de juego (perdonen mi vena futbolera) si tiene el liderazgo, el conocimiento, la habilidad, la decisión y la mano izquierda necesaria para manejar este barco a la deriva que es EEUU .
Tratemos de hacer un ejercicio de análisis sobre la base de su discurso: La primera reflexión es que es un pragmático, que sin renunciar a principios morales tiene claro que el mundo es otro (las viejas recetas y alineamientos ya no sirven) y por consecuencia su gestión sufrirá una adecuación permanente en los escenarios en que actuará.
Hace muchos años que adherí a la creencia de que las ideologías han muerto y solo perdura el sentido moral y ético de nuestras acciones. Ningún gobernante es ciento por ciento puro en su pensamiento si quiere gestionar con éxito.
Si alguien tiene dudas se lo niego enfáticamente: Hará lo que mas convenga a EEUU. La única esperanza es que los “ efectos colaterales “ probablemente sean más beneficiosos para el resto del mundo (o menos perjudiciales) que durante la gestión anterior. Su equipo de gobierno le augura una tarea nada fácil, no por el nivel de competencia sino por lo heterogéneo de su conformación, que sin lugar a equivocarme es fruto de múltiples negociaciones y embates de distintos lobbies que presionaron en su elaboración. Como muestra el caso de Hillary que manejará la política exterior con ideas no muy alineadas con su Presidente .
Pero en todo caso ello le dará mucho mas valor a lo poco o mucho que pueda contribuir a hacer del nuestro un mundo mas vivible.
Me alienta mi convencimiento sobre su pragmatismo y las definiciones de su discurso respecto a nueva forma de hacer alianzas, su mano tendida al “ mundo musulmán” claro está bajo ciertas condiciones, energías alternativas, educación, sanidad y muy importante el rol que tanto su país como las demás potencias deben tener respecto al tercer mundo.
Podría haber sido más contundente en algunas afirmaciones pero sabe que necesitará de todos para llegar a buen puerto. Hasta se permitió elogiar el gobierno de Bush.
Contra los que lo veían como el Mesías, fue muy claro diciendo que es tarea del pueblo y no de él salir de la actual situación, su función será gestionar marcando los grandes desafíos pero el resultado será consecuencia del esfuerzo de los que lo acompañen, rescatando el sentido de la unidad nacional y voluntad colectiva.
Como a todo Presidente hay que darle crédito (no menos de 1 año) pues tendrá que abordar lo urgente y lo importante. Urgente es obvio lo económico, pero lo importante es poder encauzar los conflictos sociales que embargan a nuestro planeta en luchas fraticidas.
Un saludo y buen fin de semana
THENIGER
THENIGER, nuevo colaborador de LEITER´S BLUES 24 Enero 2009
Posted by leiter in Actualidad.add a comment
Damos la bienvenida en este local virtual de copas a THENIGER (TH23), antiguo comentarista del inolvidable COLOR DEL CRISTAL y del FORO DIGITAL de EL PAÍS en su última etapa, quién a partir de hoy nos dejará sus impresiones en forma de comentario semanal sobre aspectos relacionados con la más viva actualidad. Persona dotada de una inestimable cultura y capacidad intelectual, así refrendada por sus numerosas titulaciones académicas, THENIGER se destaca especialmente por su profundo conocimiento de las culturas norte y latinoamericanas como ya dejó de manifiesto en sus numerosas aportaciones como eventual comentarista del ya extinto COLOR DEL CRISTAL. Su rigor académico, unido a una extraordinaria capacidad para el análisis, implica que sus opiniones se conviertan en verdaderas referencias informativas sobre aspectos y situaciones de las que no se tiene, generalmente, un conocimiento más amplio. Por ello, celebramos que LEITER´S BLUES pueda contar a partir de hoy con una serie de comentarios que sin duda enriquecerán esta página y de los que estoy seguro que nuestros lectores habituales sabrán apreciar en su medida. Obviamente, y como única condición establecida para formalizar dicha colaboración en este medio, los comentarios de THENIGER serán enteramente de su voluntad y gozarán de total y absoluta libertad de opinión.
Esta nueva categoría tendrá una frecuencia semanal y aparecerá los fines de semana, sábados o domingos, indistintamente. Para ello, nuestra exitosa categoría ACERCA DE TÁNGER será a partir de ahora de carácter eventual y podrá incluirse en cualquiera de los días de la semana, intentado en la medida de lo posible que tenga directa conexión con los acontecimientos que puntualmente se vayan dando acerca de Tánger o de su larga y extensa familia repartida a lo largo y ancho del mundo. Ya adelanto que estamos estudiando una serie de proyectos para dotar de vida propia este pequeño rincón dedicado a la ciudad de Tánger y los tangerinos de cualquier momento de su historia.
LEITER´S BLUES te da la bienvenida, THENIGER. Es tu turno.
Entrañable comida de amigos 23 Enero 2009
Posted by leiter in Acerca de Tánger.3 comments
De izquierda a derecha: Juan Cabrerizo, Carlos Hernández, Mayte, Celia, y Marita.
Teníamos ganas de vernos y nos juntamos durante unas horas para compartir una entrañable comida. Yo no soy tangerino pero me encuentro feliz al lado de esta gente, con sus recuerdos, con sus historias y sus anécdotas. Juan eligió el restaurante, LA COMARCA DE ALISTE, un sitio encantador donde nos han tratado con extraordinaria amabilidad, amén de ofrecernos una sensacional comida donde no faltó de nada y cuya factura fue mucho menor de lo que nos esperábamos. No he parado de reírme en toda la tarde cuando alguien de los presentes comentó aquel episodio del burro y el Cine Mauritania de Tánger… Ya os lo contaré. Carlos Hernández, el creador y director de TANGERJABIBI, es una persona de esas de la que no te cansas de escuchar, un pozo de cultura y sapiencia que trata de hacerte comprender muchos episodios acaecidos en Tánger con suma paciencia en todo momento. Es también un buen negociador… Y ya no digo más.
Pero lo mejor, sin duda, ha sido el poder compartir unas horas con una gente maravillosa que adora y quiere su tierra tangerina por encima de todo. Lo que más valoro en esta vida es aprender y hoy os puedo garantizar que he aprendido muchas cosas acerca de Tánger y también acerca de la vida misma. No sabéis cuánto os admiro y qué sana envidia me dais cuando escucho el relato de vuestros recuerdos de infancia y mocedad en Tánger. Ahora comprendo por qué Tánger fue esa ciudad abierta a todos y donde nadie nunca se sintió extranjero, con independencia de sus creencias e ideas. Vuestra educación, vuestro respeto y vuestro saber estar me recordaron aquellas palabras que un maestro de Galilea pronunció hace ya dos milenios: En esto reconocerán que sois mis discípulos. Efectivamente, por todos vosotros se reconocerá siempre lo que significó Tánger para la pacífica convivencia entre las personas. Para mí, es todo un lujo el hecho de poder compartir una velada con todos vosotros. Os doy las gracias por todo lo que he aprendido.
